• David Villaraco

CÓMO ANALIZAR UN GUION LIKE A PRO, BITCH.

“Audiences are harder to please if you’re just giving them effects, but they’re easy to please if it’s a good story.” –Steven Spielberg

El guion (sabeis que le han quitado el acento los de la RAE...que fuerte, un día estás ahí arriba en la cima de la "O" y al otro, terminas siendo una "coma" cualquiera ) es nuestra herramienta más importante, de hecho es lo más importante de cualquier producción, el día que la mayoría se de cuenta de que los actores no llenan salas y si lo hacen las historias, quizá el cine de un salto cualitativo y podamos ver a más actores en la gran pantalla.


Se que alguien alguna vez te ha dicho que son los actores los que venden tickets quizá algún director, productor...nunca un guionista seguramente, la razón por la que dicen esto, en mi opinion, es por que saben que la historia que tienen entre manos no es tan buena...el cine esta lleno de casos, ( Slumdog millionaire, La vida de pi, Pequeña Miss sunshine, Tesis, Abre los ojos,...) Si la historia es buena y el actor o actriz es bueno la historia funcionara en los cines.

Es cierto que con el tiempo los actores que todos conocemos se convierten en sinónimos de calidad, debido a que han elegido buenas historias en las que aparecer, o alguien piensa que Leonardo DiCaprio se va a involucrar en una mala historia...siempre primero va la historia, va el guion. (sin acento, aunque me salga la rayita roja del corrector)


He pasado años recopilando valiosos consejos e información de varios directores de casting, actores, directores y escuelas sobre cómo analizar un guión. Así que aquí está mi método de análisis de guion, que es una combinación de todos ellos.

Es muy exhaustivo, por lo que si tienes dudas sobre tu personaje y el objetivo de la escena después de este proceso, deberías dejar el móvil o cualquier distracción y volver a repasar. Este proceso de análisis de guiones te ayuda a tomar decisiones claras y cumplirlas, así como a comprender completamente el objetivo de la escena. Lo que hace a un buen actor, no es la capacidad de llorar que tenga, si no cuán interesantes son las decisiones que toma frente al guion. Este método es intenso pero aumentará tu caja de herramientas.


Todas las actividades que llevamos a cabo en nuestra vida diaria tienen direcciones. Cuando conduces por la carretera hay leyes destinadas a evitar que tengamos accidentes, cuando cocinamos seguimos una receta y cuando construimos con LEGOs seguimos las instrucciones literales para que nuestros castillos y naves espaciales salgan bien. Para actuar, lo más parecido a un conjunto de instrucciones sobre cómo proceder es un guión. Sin embargo, surgen complicaciones debido a las diferentes formas en que los lectores interpretan los guiones. Esto significa que el trabajo principal del actor es analizar un guión para descubrir la verdad sobre un personaje para que pueda retratarlo con precisión en el escenario o en la cámara.



La primera lectura

El análisis de guiones es un proceso y el proceso puede ser ligeramente diferente según el actor, pero, en general, el análisis de guiones comienza con lo básico y gradualmente agregas detalles. En la primera lectura, es importante comprender las situaciones y eventos literales que afectan a un personaje en cada punto de la historia. Estos hechos del guión son las circunstancias dadas y ayudan a determinar las acciones que tomará en el desarrollo de la historia.

Mientras lees un guión, haz una lista de todos los hechos sobre tu personaje. Cualquier cosa que puedas obtener de un guion es útil. ¿Que hace para vivir? ¿Dónde vive? ¿Quién está más cerca de el?

Desglose en escenas y ritmos

Después de tener una idea del personaje, divide la historia en escenas y ritmos. Los buenos guiones se escriben como una serie de eventos relacionados donde A lleva a B y B a C, etc. La práctica de hacer un mapa de escena te ayudará a comprender la historia secuencialmente y proporcionará puntos incorporados para cambiar la acción.

Busca puntos en el guión donde cambie la configuración o los personajes en el escenario cambien, o pase el tiempo. Estas son formas comunes en que cambian las escenas. Los cambios de ritmo son cambios más pequeños dentro de las escenas donde los personajes pueden cambiar su acción, actitud o tema de conversación. Después de identificar las escenas y los ritmos ...

Identifica las acciones de tus personajes

Pregúntate: "¿Qué quiere mi personaje que otras personas en la escena hagan?" La respuesta a esa pregunta es el objetivo de tu personaje. ¿Cómo vas a lograr tu objetivo? Eso es lo importante porque eso te da una acción para jugar en cada escena. Y una cosa que un profesor me dijo, con más razón que un santo.


Es la lucha por conseguir tu objetivo lo que tiene que sacar la emoción de ti, no al revés.

No tienes que buscar la emoción tienes que buscar la ejecución de tu objetivo, ¿me explico?


Por lo general, los personajes quieren que otros personajes hagan algo, sientan algo o entiendan algo. Por ejemplo, quizás tu personaje quiere que alguien vaya a buscar el correo. ¿Cómo conseguirás que vayan al buzón por ti? ¿Magia? ¿Trueque con ellos? ¿Gritarles ? La acción correcta es la que es fiel a tu personaje y te ayuda a comenzar a identificar el tipo de persona que es tu personaje.

Mantente abierto a las notas y al cambio

Recuerda que actuar es un ejercicio de colaboración y los actores también deben tener en cuenta la opinión de un director. Escucha lo que dice tu director e incorporarlo a tu personaje de manera honesta, basándote en tu propio análisis del guion. Algunas veces tu análisis inicial no será correcto y tendrás que hacer ajustes durante todo el proceso de ensayo. Pero, con una base sólida para tu personaje, construida a partir de un análisis exhaustivo del guión, estos cambios serán menores y tu rendimiento será natural.


Los hechos


Resalta tu diálogo:

literalmente, las líneas que tu personaje solo habla. No resaltes el diálogo de otros personajes ni los nombres de un personaje. Esto te ayudará a ver la cantidad de diálogo que tienes de un vistazo rápido. También te ayuda a ver el diálogo de otros personajes y lo que queda para dirección.


Subraya los hechos:

esto literalmente significa dirección o diálogo indiscutible. Información que no es cuestionable. Por ejemplo, él sale del callejón. O lo hace o no lo hace. Totalmente indiscutible. Este paso resalta muy rápidamente qué información queda para interpretación. ¡Ahí es donde comienza la diversión! No puedes jugar con los hechos. Si lo haces, estás jugando con la escritura (¡tut tut!).


Las 5 preguntas:

después de subrayar los hechos, escribe en una hoja de papel separada (o el guión, lo que prefiera) QUIÉN está en la escena, DÓNDE está (muchos actores tienden a olvidarse de interpretar dónde), QUÉ estás haciendo, y CUANDO esta pasando. El "POR QUÉ" es totalmente interpretativo, llegaremos a eso más adelante. Nuevamente, esta es una información indiscutible y básica. Por ejemplo, Marta y Javi están parados en un callejón conversando y es de noche. Ten en cuenta que no dije que estaban teniendo una conversación 'acalorada' ya que esto es interpretativo. Este paso abre puertas de lo que es posible. Podría ser una noche fría afuera de un ruidoso bar. Esto afectaría totalmente tus elecciones.

Decide si es verdad o es mentira: cada línea de diálogo debe determinarse si crees que el personaje dice la verdad o miente. Debes hacer esto con TODOS los personajes de la escena, no solo los tuyos. Esto ayuda a tener una comprensión general de lo que está sucediendo en la escena y, potencialmente, cuál crees que puede ser el objetivo del otro personaje. Lo que decidas puede alterar los objetivos y obstáculos de la escena. Básicamente puedes cambiar totalmente la dinámica de una escena.

Interpreta: repasa tu diálogo y vuelve a escribirlo con tus propias palabras (al lado de las líneas del guión). Esto ayuda a comprender el subtexto y lo que no está escrito en la escena (esta es la parte emocionante).


Emociones:

Elige una emoción que describa mejor lo que siente tu personaje en toda la escena. Sí, tus emociones y elecciones pueden cambiar a lo largo de la escena, pero generalmente siempre hay una emoción subyacente que nos impulsa a través de una conversación completa. Luego revisa tu diálogo línea por línea y nuevamente elige una emoción que resume los sentimientos de tu personaje en ese momento. Esto ayuda a comprender los mini-objetivos (como en la técnica de Ivana Chubbuck ) ya que tenemos un objetivo con cada línea.


¿Qué haría yo si?:

Ponte en los zapatos o el sombrero de tu personaje e imagina qué pasaría si eso me sucediera a mí osea a ti...Geoffrey Rush es muy pro de esta técnica

Objetivo: si estás analizando un guion completo, ¿cuál es tu objetivo general? El único objetivo que deseas lograr a lo largo de toda la historia. En otras palabras, ¿cuál es tu objetivo en la vida? Entonces, ¿cuál es tu objetivo escena por escena? Cada objetivo de la escena debe contribuir al objetivo general. Elige tres objetivos y juega con cada uno de ellos. Estás buscando el objetivo que más te afecte. Esta es tu verdad. Recuerda que todos somos únicos, por lo que tu verdad puede diferir de la de otros actores. Este es también el POR QUÉ en una escena. ¿Por qué estás haciendo / diciendo eso? Probablemente el paso más importante.


Obstáculos:

Identifica los obstáculos escena por escena. Este es un paso importante porque aumentan los riesgos de la escena.


Signos de puntuación:

En la vida real, nadie habla con signos de puntuación usando comas o puntos, cuando tu hablas con una persona la acción subconsciente pero muy presente y obvia que estas realizando es la búsqueda, la búsqueda de la siguiente palabra, la siguiente frase o el siguiente argumento y eso no se debe perder en la interpretación, y es fácil que se pierda ya que hay muchos elementos sucediendo alrededor, la escucha de tu compañero, la búsqueda de tu objetivo, la correcta memorización del diálogo, la cámara ...etc. Pero no debes perder esa acción, ya que otorga autenticidad a tu actuación. Por eso yo siempre elimino esas acotaciones gramaticales ( comas y puntos) es algo que he escuchado a Michael Kane, Denzel Whasintong o Maryl Streep así que me fio... ;). Puedes ver todo lo contrario lamentablemente en nuestro cine, donde muchos actores se paran en cada punto y cada coma haciendo que la actuación no sea fluida y no conectes con ellos.


Urgencia:

Las escenas tienen que estar afrontadas con urgencia, no digo prisa, con urgencia, tiene que ser importante para ti conseguir tu objetivo, tan importante como de vida o muerte.


Antes y después:

Cuando partes de tu primera escena, cuando no ha habido ninguna antes, es la primera escena de tu personaje. Debes plantearte un "¿Que me ha pasado antes?" y ¿cómo me afecta? para entrar en la escena con cierta energía, que diga algo de tu personaje, al igual pasa cuando terminas la escena, cómo tienes el guion sabes lo que va a vivir tu personaje despues, asi que termina esa escena de tal manera que haya una continuación con la siguiente escena.


No te saltes ninguno de los pasos anteriores. Todos tienen validez para ayudarte a tomar decisiones. Este proceso de análisis de guion también aumenta tu flexibilidad. Así que cuando vayas a un casting, estarás tan listo como siempre para cualquier dirección que el director de casting te haga. ¿Y quien sabe? Puedes presentar una nueva idea al director o escritor que nunca antes habían contemplado.

Una cosa más…

¡Mantente en el personaje hasta que escuches un corten!


Quiero dejarte un video de Andrew Scott en el que se ve claramente la búsqueda del actor en cada frase que recita, para que te hagas una idea de lo interesante que resulta.


Cómo siempre, no te creas nada, compruebalo tu mism@.


Nos vemos en los camerinos.



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